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História do Movimento de Arte Abstrata

Atualizado: 14 de jul.

Por UKEssays



Vassily Kandinsky



Dicas de Livro:


Do Espiritual na Arte - Vassily Kanadinsky




Abstract Painting: For Today's Contemporary Artist-por Kate Ashton






"Quero começar com a definição de arte abstrata, Herbert Read deu a seguinte definição 'na prática, chamamos de 'abstratas' todas as obras de arte que, embora possam partir da consciência do artista de um objeto no mundo externo, passam a fazer uma unidade estética auto-consistente e independente em nenhum sentido contando com um equivalente objetivo” (Read, 1936: 150).

Do ponto de vista da definição acima, a arte abstrata surgiu entre 1910 e 1920, evoluindo ao longo do século XX, não há um momento específico de nascimento da arte abstrata, e a forma da abstração pode ser encontrada nos primeiros povos com símbolos simbólicos. ou apresentar objetivo por signos em cerâmica, quadro em tecidos e pedra, é feito de linha e círculo, está mostrando a comunicação certa do abstrato. A abstração na estética também pode ser rastreada até Platão, que em seu diálogo philebus disse: "Eu não quero dizer beleza de forma tal beleza como a de animais e imagens, mas entendo como linhas retas e círculos, e o plano ou sólido figuras que são formadas a partir deles por tornos e réguas e medidas de ângulos; para estes eu afirmo ser não apenas relativamente e absolutamente belos.' (Jowett, 1907:

No entanto, o elemento de abstração aplicado na pintura foi encontrado na pintura Grainstack de Claude Monet, fundador do impressionismo francês. Entre meados do século XIX e início do XX, a França era o centro de arte indubitável do ocidente, o impressionismo francês foi a origem da abstração inicial, o assunto tornou-se menos importante do que antes, Como disse Paul Gauguin, 'Não pinte muito segundo a natureza . A arte é uma abstração; deduza essa abstração da natureza enquanto sonha diante dela e pense mais na criação que resultará do que na natureza” (Gauguin, 1888: 60). Vincent van Gogh foi inspirado pela abstração da música, ele considerava a música como uma linguagem independente sem referência. Este ponto pode me ajudar a entender a aplicação da cor na pintura, "um desenvolvimento mais geral da arte abstrata,

O impressionismo foi reforçado pelo simbolismo e outros movimentos artísticos, e isso desenvolveu a abstração. Maurice Denis, um pintor de simbolismo francês, também é um escritor que disse em sua proposta: "Lembre-se de que um quadro, antes de ser um cavalo de batalha, um nu, uma anedota ou outros enfeites, é essencialmente uma superfície plana coberta de cores reunidas em um certa ordem” (Chipp,1968: 94). Suas teorias têm contribuição fundamental para o cubismo e o fauvismo. Esses movimentos artísticos também levaram o processo da arte abstrata adiante.

Existem outros novos modelos entre as outras artes não apenas a forma de arte tradicional pintura e escultura, que afetam o desenvolvimento da abstração neste período. Mencionei a música acima, que era respeitada por artistas visuais e críticos. A arquitetura também pode ser vista como um modelo de aplicação e abstração na Bauhaus.

A poesia, em particular, merece destaque em relação à abstração, Arthur Rimbaud e Stéphane Mallarmé, os poetas simbolistas são conhecidos por encontrarem relação entre o signo linguístico, a realidade e o significado codificado. Esses dois poetas do simbolismo têm um terreno comum na abstração com os pioneiros da arte abstrata Wassily Kandinsky e Piet Mondrian que serão discutidos mais tarde, "todos os quatro poetas e pintores em suas respectivas formas de arte provocaram a consciência da natureza problemática da relação entre signo e objeto". (Reynolds, 1995: 1)

Os pioneiros da abstração foram Wasily Kandinsky, Kazimir Malevich e Piet Mondrian - dois russos e um holandês. Confiavam menos na forma do incerto e mais nos valores universais, baseados em doutrinas filosóficas ou místicas.

Vale mencionar antes de falar sobre esses pioneiros que a tese de doutorado do historiador alemão Wilhelm Worringer "Abstração e Empatia" foi publicada em 1907 pelo editor Reinhard Piper. Abstração e empatia eram dois pólos opostos, "esse pólo contrário à necessidade de empatia nos parece ser a ânsia de abstração. Minha preocupação principal neste ensaio é analisar essa ânsia e fundamentar a importância que ela assume na evolução arte" (Worringer, 1907:14) Para Worringer, a empatia se relaciona com o espaço tridimensional, enquanto a abstração é plana, cristalina. A empatia é individual; a abstração é coletiva. Onde a empatia é curva, a abstração é a linha direta e reta. "Tal abstração não faz uso de nenhum objeto natural como modelo,

Worringer foi influente na arte abstrata porque achava que a arte abstrata não era secundária ou inferior à arte "realista", e digna de respeito. Suas teorias levantam a aplicação da abstração na arte européia pré-guerra. Embora o pioneiro da arte abstrata Kandinsky não tenha se referido a Worringer em seus livros, ele estava familiarizado com o trabalho de Worringer, e seus livros foram publicados pelo mesmo editor, Reinhard Piper, pois Kandinsky tinha uma personalidade muito forte, ele não devia nada a Worringer .

De 1910 a 1914, Kandinsky rompeu com a arte tradicional cada vez mais na prática e na teoria, ele iniciou formas de arte baseadas na natureza; e então ele os transformou na forma abstrata completa. Ele foi o primeiro artista a publicar teorias sobre abstração, em 'Sobre o espiritual na arte' e para ele, ao que parece, abstração é sinônimo de símbolo.

Kazimir Malevich é outro artista abstrato russo pioneiro e também o fundador do movimento Suprematista de vanguarda, que se concentrava em formas geométricas fundamentais. Em 1916, supôs que sua arte era pura e sem qualquer vestígio dos objetos encontrados na natureza.

Piet Mondrian teve influência significativa no movimento artístico De Stijl e parece ser diferente em desenvolvimento de Kandinsky e Malevich, não apenas nas formas, mas também no estilo de composição. Ele começou a usar as palavras "abstrato" e "abstração" desde 1915. Ele queria que a arte fosse uma alta realidade que estivesse além da natureza e ajudasse os espectadores a alcançar a maior compreensão e conhecimento.

No entanto, Mondrian compartilhou a mesma inspiração com outros dois pioneiros Kandinsky e Malevich, e todos eles têm suas idéias no ensino da Teosofia, que foi fundada por Madame Blavatsky na sociedade moderna em Nova York em 1875. Teosofistas insistem que atividades como a filosofia , ciência, artes, comércio, religião e filantropia, tornam as pessoas muito mais próximas do "Absoluto". Kandinsky e Mondrian pretendiam usar a pintura para ajudar as pessoas a obter um reavivamento espiritual.

Eles também têm outros pontos semelhantes, em primeiro lugar, Kandinsky e Mondrian encontraram uma certa conexão entre pintura e música, que é a forma de arte mais próxima da abstração; pode converter a emoção puramente sem quaisquer referências externas. Em segundo lugar, todos eles usam a cor como linguagem, representando certos significados, por exemplo, Kandinsky define vermelho como sangue, azul como céu, Mondrian nomeou vermelho como exterior e azul como interior. Finalmente, todos eles queriam utilizar a abstração para alcançar a liberdade de expressão.

Após a Primeira Guerra Mundial, o construtivismo foi um importante movimento abstrato do pós-guerra na Europa, que teve implicações utópicas e políticas para a abstração, e novas tecnologias e novas mídias também tiveram efeito como rádio e cinema. Como resultado, um público muito mais amplo pode ser alcançado e afetado pela arte abstrata. Havia três grupos de construtivismo em diferentes países, De Stijl na Holanda, Bauhaus na Alemanha e os construtivistas na União Soviética, respectivamente.

De Stijl foi um movimento holandês fundado por Van Doesburg em 1917, e os artistas compartilhavam certas ideias sobre abstração geométrica. Como dizia Van Doesburg: 'falamos de pintura concreta e não abstrata porque nada é mais concreto, mais real do que uma linha, uma cor, uma superfície' (Balj, 1974: 181). e cor; e simplesmente visualizadas nas direções vertical e horizontal, basicamente foram aplicadas as cores preto e branco. De Stijl foi de grande importância na difusão da abstração por toda a Europa durante esse período.

Walter Gropius, um arquiteto alemão montou a Bauhaus em 1919 na cidade de Weimar. O programa de ensino foi visto para unir todas as artes relevantes, incluindo arquitetura, pintura, tecelagem e vitrais. A abstração era claramente a linguagem de todos os aspectos da Bauhaus. Kandinsky foi um dos professores e, durante este período, desenvolveu suas teorias nas artes, ele enfatizou que a "tríade retumbante: romântico, germânico, eslavo" seria a base para todos os desenvolvimentos futuros na abstração. ( Lindsay, 1982: 514 ). A influência mais importante na Bauhaus é o modernismo, que pode ser rastreado até o final do século 19 e início do século 20. O modernismo é aquele que pensa de maneira diferente e aborda a forma tradicional em muitos campos como a fé religiosa, a literatura, a organização social, a arquitetura e a vida cotidiana. O modernismo apareceu na Alemanha antes da guerra mundial..., embora o conservadorismo ainda fosse dominante. As inovações de design comuns na Bauhaus são os padrões muito mais simplificados, a arquitetura funcional e a ideia de reconciliação da produção em massa. O estilo Bauhaus foi uma das tendências mais significativas em design moderno e arquitetura moderna nos Estados Unidos, Europa Ocidental e Canadá em décadas.

O construtivismo na União Soviética foi fundado na Rússia a partir de 1919, os artistas esperavam que a arte abstrata se tornasse uma função de um objetivo socialmente aprovado e fosse utilitária. Vladimir Tatlin foi o artista mais importante do construtivismo da Rússia, ele tentou construir o Monumento para a Terceira Internacional, que funcionou simbolicamente como um sinal do novo governo, mas nunca foi construído.

Durante as décadas de 1920 e 1930, muitos artistas refugiados se mudaram para Paris devido à proibição da arte abstrata na Alemanha e na Rússia por Hitler e Stalin. Paris tornou-se o centro da arte abstrata, aqui dedicado por alguns grupos abstratos florescentes, como Cercle et Carré e Abstraction-Création. Abstraction-Création publicou sua revista nessa mesma época, e no primeiro número - Abstraction-Création apontou o significado do título; A abstração representou os artistas que chegaram ao conceito de não-figuração pela forma abstrata da natureza. A criação mostrou que os artistas vinham com uma ordem geométrica pura. A abstração tornou-se uma escolha de arte aceitável e até popular naquele período. No entanto, também há problemas com a abstração em Paris, porque Paris fazia parte de muitas tendências abstratas de diferença, havia certo desacordo entre elas.

Durante a Segunda Guerra Mundial, muitos artistas abstratos da Europa se mudaram para os Estados Unidos, o centro mundial da arte mudou de Paris para Nova York. No final da Segunda Guerra Mundial, Picasso se tornou o herói artístico da França, então os pintores abstratos foram ignorados, como Klee e Mondrian, cujas exposições foram fechadas pelas autoridades. No entanto, uma série de abstrações floresceu em Paris apoiada por um pequeno grupo de críticos e galeristas. O principal ramo da época era a arte geométrica, mostrada pelo Tachisme, que muitas vezes é considerado um movimento semelhante ao expressionismo abstrato. Em Paris, as tendências expressivas foram parcialmente inspiradas por Roger Bissiere, como professor da Academie Ransom durante a década de 1930. Ele incentivou tantos artistas mais jovens como Jean Le Moal, Maria Elena Vieira da Silva.

Durante as décadas de 1930 e 1940, a arte abstrata foi frequentemente atacada nos Estados Unidos. Durante a década de 1930, a arte abstrata estava ligada ao comunismo. Especialmente nesta época, alguns artistas pensavam que a abstração era adequada para uso 'decorativo', não atendia aos requisitos de outras formas de arte, os resumos eram considerados muito subjetivos. Durante este período, havia muitos emigrantes judeus vivendo em NY após a ocupação nazista. Entre eles, Clement Greenberg e Harold Rosenberg estavam na liderança da crítica da nova pintura americana; eram judeus, marxistas, anti-stalinistas. Como marxistas, eles ansiavam pela revolução que inauguraria o socialismo, como modernistas, eles apoiaram a arte mais avançada naquele período, existem conexões entre o marxismo e o modernismo, o marxismo visa tornar a vida melhor, Os modernistas se esforçam para melhorar as coisas na arte. Durante a década de 1930, o Partido Comunista foi dominado por círculos de esquerda. A arte foi apoiada e promovida pelos stalinistas na América, ditada pelos soviéticos que mostravam a arte como um escapismo de torre de marfim e amarrados para fazer o artista seguir os estilos do Realismo Social. Greenberg e Rosenberg estavam na oposição, eles debatiam o Realismo Social como acadêmico e banal. Depois disso, Greenberg e Rosenberg perderam o interesse pelo Socialismo e se concentraram no Art-Modernismo, o "expressionismo abstrato" foi usado pela primeira vez no ensaio de Rosenberg "American Action Painters" publicado na ART news da edição de dezembro de 1952, "Chame esta pintura de "abstrata" ou " Expressionista" ou Expressionista Abstrato", o que conta é seu motivo especial para extinguir o objeto, o que não é o mesmo que em outras fases abstratas ou expressionistas da arte moderna.' (Rosenberg, 1952:22). Greenberg também apoiou o movimento expressionista abstrato e foi um dos primeiros críticos a apreciar as obras de arte de Jackson Pollock. Greenberg comparou arte abstrata e representativa em seu ensaio, ele primeiro apontou que "O que conta primeiro e por último na arte é a qualidade; todas as outras coisas são secundárias". (Greenberg, 1961:133). Ele então disse que a imagem não agregava valor na qualidade da arte, "uma imagem reconhecível adicionará significado conceitual a uma imagem, mas a fusão do significado conceitual com o estético não afeta a qualidade". (Greenberg, 1961:132), e "mais e menos na arte não dependem da intensidade e profundidade de tais significados, sejam eles poucos ou muitos, como estão presentes". (Greenberg, 1961:132). Assim, ele afirma que a pintura representacional não alcançou grande qualidade recentemente, e a arte abstrata estava se tornando importante: "E se o abstrato é de fato melhorado, tal melhoria agora se tornou necessária para a arte importante". (Greenberg, 1961:135).

A abstração foi resgatada pelo expressionismo, 'com toda a sua diversidade visual e temática, certamente continuaria sendo uma das mais discutidas de qualquer movimento artístico nos Estados Unidos. Simultaneamente anunciada e disputada nacional e internacionalmente, a sua profunda radicalidade e reinvenção das formas modernistas marcariam de forma indelével a história da arte pós-guerra. (Balken, 2005: 76). dos artistas abstratos americanos em 1940, o surrealismo teve o maior impacto. Arshile Gorky pode ser visto como o último dos grandes surrealistas e o primeiro dos expressionistas abstratos. O expressionismo abstrato pode ser dividido em dois ramos na pintura americana, Gesture Painting representado por Jackson Pollock, De Kooning e pintura de campo de cor e pintura de campo de cor incluindo Josef Albers,

Jackson Pollock foi descrito como "quebrando o gelo" em termos de criação da nova pintura americana, ele mostrou a nova técnica de arte; pinturas 'pingando' depois de 1947. E suas pinturas em grande escala deveriam alcançar um impacto ambiental mais completo. "Ao contrário do trabalho abstrato anterior, tal pintura não tinha construção geométrica ou de grade (como no cubismo); sem referências biomórficas (como no surrealismo ou Gorky); sem forma premeditada (Kandinsky); sem ilusão de recessão espacial (Matta)." (Moszynska) ,1990: 151)

De Kooning estava sozinho entre os expressionistas abstratos americanos em seu persistente confronto com a figura humana, desde imagens de homens nos anos trinta e quarenta a mulheres cujo abraço se desdobra em uma cruz nos anos sessenta. Entre o final dos anos 1950 e o início dos anos 1960, De Kooning iniciou uma nova fase, e mudou o foco das puras abstrações na paisagem para a figura humana.

Tanto Pollock quanto De Kooning não são apenas para a abstração, eles também fizeram pinturas representativas, o que era diferente dos primeiros artistas abstratos. De Kooning utilizou figuração com sua série Woman, e Pollock teve o retorno de imagens em seus últimos trabalhos, como Lavender Mist e Autumn Rhythm.

A cor foi abandonada por alguns pintores de gestos como De Kooning, em contraste com isso, os pintores de campos de cores focaram nos valores cromáticos e descobriram os efeitos das cores em oposição ao impacto expressivo da linha. Barnett Newman tentou buscar um modelo original de termos abstratos, reduzindo seus elementos composicionais a um grande campo de cor não flexionada com estreita coluna vertical. Em seus primeiros trabalhos com zíper, os campos de cores não são puros, mas depois as cores são puras e planas.

Na década de 1960, a abstração estava se afastando do subjetivo e do expressivo para uma sensibilidade mais fria. A maioria dos trabalhos de abstração se restringia a linhas retas e cores mínimas. Em meados da década de 1960 e depois, o Minimalismo são aqueles que descreveram movimentos em diferentes formas de arte e design, particularmente arte visual e música. Os principais artistas são considerados líderes neste movimento: Donald Judd, Agnes Martin; Roberto Morris. As esculturas minimalistas evitam os desafios do ilusionismo devido ao seu literalismo material inerente, que o pintor abstrato que tentou mostrar as possibilidades espirituais ou emocionais teve que enfrentar. Os minimalistas queriam que seu trabalho se tornasse parte do ambiente, como o trabalho diário, e os artistas querem que o espectador tire a atenção dos próprios trabalhos,

A arte conceitual era uma extensão do minimalismo, a ideia era o ponto fundamental de todo o objeto, mesmo uma ideia pode ser a obra de arte sem um objeto, Sol Lewitt descreve a arte conceitual como “Na arte conceitual, a ideia ou conceito é o aspecto mais importante da o trabalho. Quando um artista usa uma forma conceitual de arte, isso significa que todo o planejamento e decisões são feitos de antemão e a execução é um assunto superficial. A ideia torna-se uma máquina que faz a arte.' (Lewitt, 1967: 80).

Nesse período, a abstração começou a atrair a atenção de artistas que queriam explorar as premissas básicas, incluindo uma forma pura de aparências do mundo, unidade composicional e equilíbrio e liberdade. Este último foi atacado como uma impossibilidade de que nenhuma arte pode escapar completamente das referências mundanas e nenhum artista pode ficar livre da influência de seu ambiente cultural. No início da década de 1970, muitos artistas foram afetados por certos vínculos de desenvolvimento com a filosofia estruturalista, parte de uma tendência agora comumente chamada de pós-modernismo. Um dos artistas pós-modernos mais fascinantes foi Gerhard Richter, Richter fez suas pinturas em um processo de várias etapas, e a maioria delas começa com uma fotografia, e as obras de arte apresentam tanto o espaço natural quanto ilusionista e a atividade física e a pintura material que são interferências mútuas . Para ele, as características mais importantes da abstração eram sua deliberada falta de significado, e o assunto é essencial. Richer disse que a arte abstrata oferece 'uma melhor possibilidade de abordar o que é não-visual e incompreensível, porque não retrata nada diretamente visualmente, com todos os meios disponíveis para a arte' (1991).

A arte abstrata agora parece ter entrado em uma nova era - o pluralismo, e não há um certo estilo representativo, feito de modos de diversidade, arte digital, pop art, op art e assim por diante. A atitude de um "tudo e qualquer coisa acontecendo" é popular, o que significa que o artista tentou tanto quanto possível as formas de arte para apresentar seu trabalho, mas isso levou a um "nada acontecendo". Os artistas contemporâneos já não fazem uma distinção clara entre abstração e figuração. Nas obras de Chris Ofilli, por exemplo, ele usou motivos decorativos e padrões abstratos, às vezes com uma referência à arte 'OP' ao lado de uma imagem figurativa grotesca. Peter Doig usa técnicas desenvolvidas por pintores de campos de cores como planicidade e grande área de cores manchadas na tela para produzir sua paisagem.

No parágrafo seguinte, analisarei detalhadamente três obras e teorias abstracionistas, Wasily Kandinsky, Jackson Pollock e De Kooning, respectivamente.

Kandinsky

Kandinsky pode, sem dúvida, ser descrito como o fundador mais significativo da arte abstrata, estudou economia e direito antes de se tornar pintor aos trinta anos. No livro "Sobre o espiritual na arte", que mencionei na história da arte abstrata, Kandinsky pela primeira vez expôs sistematicamente a teoria da pintura abstrata. Ele explorou a possibilidade de abstração em outro ensaio muito importante chamado "Sobre a questão da forma". (1912) Kandinsky montou um trabalho de arte que era feito de uma forma interna e externa, a forma externa era menos importante nas obras de arte, o conteúdo do trabalho era determinado pelo sentimento interno do artista, alma (som interno).

Kandinsky pode muito bem ter absorvido e concordado com a crença dos teosofistas no misticismo da cor e da forma. Kandinsky acreditava que a pintura era como a música, a pintura abstrata está no uso de notas musicais de analogia de cores, em sua opinião, e a cor também tem o efeito de som e melodia, e ainda tem uma sinfonia de força de choque. O uso da cor nas artes parece à música efeitos de choques na alma, e atinge diretamente as profundezas do espírito. 'A cor é um poder que influencia diretamente a alma. A cor é o teclado, os olhos são os martelos e a alma é o piano com muitas cordas. O artista é a mão que toca, tocando uma tecla ou outra, para provocar vibrações na alma” (Kandinsky, 2004: 32)

A obra de Kandinsky pode ser dividida em três períodos, sua residência em Munique (1896-1921), na Bauhaus (1922-1932) e em Paris (1933-1944). Os estilos de pintura durante esses três períodos não são os mesmos. As obras em Munique foram influenciadas pelo simbolismo e pelo fauvismo. O trabalho da Bauhaus é mais geométrico e as pinturas em Paris eram muito mais orgânicas e têm uma marca de retorno ao detalhe decorativo de seus primeiros anos.

Jackson Pollock

Em 1936, Pollock se inspirou em David Alfaro Siqueiros, um muralista mexicano e começou a usar tinta líquida em uma oficina experimental. Depois disso, ele usou a técnica de pintura 'pingando' que era uma de suas técnicas; as obras representadas são "Masculino e Feminino" e "Composição com Derramamento I". No estágio final de sua pintura, Pollock removeu a tela da moldura e a colocou no chão; ele então pingava tinta preta e azul-branca na superfície da tela com um controlador de arcos. Esta técnica de desenho desafiou a função de desenho tradicional. Em 1950, essa ação de derramar e gotejar amadureceu, como mostra 'Lavender Mist', toda a pintura foi operada no chão e toda a superfície coberta por trilhas entrelaçadas.

Esta nova técnica de desenho ficou conhecida como 'all-over painting', porque seu estilo único de pintura, "Jack the Dripper" aparece na revista Time - 'as melhores pinturas de Pollock... ou áreas negativas: não somos levados a sentir que uma parte da tela exige ser lida como figura, seja abstrata ou representativa, contra outra parte da tela lida como fundo. Não há dentro ou fora da linha de Pollock ou o espaço através do qual ela se move.... Pollock conseguiu liberar a linha não apenas de sua função de representar objetos no mundo, mas também de sua tarefa de descrever ou delimitar formas ou figuras, abstratas ou representativas, na superfície da tela. )

De Kooning

Em 1938, quando estava na casa dos trinta, De Kooning focou em imagens de homens, incluindo Dois homens em pé, homem e figura sentada (masculino clássico), ele costumava usar sua própria imagem na frente do espelho, 'eu peguei minhas calças, minhas roupas de trabalho. Fiz uma mistura de cola e água, mergulhei as calças e sequei na frente do aquecedor - fiz uma pequena cabeça de gesso. Fiz desenhos com ele e o mantive por anos em meu estúdio.' (Kooning, D. 1976.)

Em 1946, ele transformou seu estilo apenas em preto e branco, pintando uma série de grandes abstrações, como Light in August (c. 1946) e Black Friday (1948). Estes são essencialmente pretos com elementos brancos e estes abstratos de recurso foram por uma abordagem enérgica e enérgica.

A característica do estilo de de Kooning concentra-se em figuras complexas com um fundo que se sobrepõe a outras figuras fazendo com que apareçam em primeiro plano, que por sua vez pode ser sobreposta por linhas de tinta gotejantes. Ele considerava a pintura uma experiência, expressão, o processo de realização da liberdade.

Em 1953, ganhou a atenção do público com seu tema da mulher, essas obras eram pinturas representativas. Assim, De Kooning manteve a abstração e pinturas representativas ao longo de sua carreira.

Entre o final dos anos 1950 e o início dos anos 1960, as obras de De Kooning entraram em um novo período, seu estilo volta às abstrações quase puras, ele fez mais paisagens do que a figura humana. Essas pinturas apresentavam pinceladas e tendências caligráficas, como Bolton Landing (1957) e Door to the River (1960)

Eu tenho pesquisado nos últimos cem anos sobre a abstração na arte tanto histórica quanto teoricamente, e também analisei alguns abstracionistas que têm grande influência para mim, e então chego a uma conclusão.

Quando um trabalho abstrato é bem sucedido, a linguagem da abstração é alcançada pela forma e conteúdo que é consistente ou um, e a forma pode carregar um significado específico, De Kandinsky a Pollock, os artistas criaram seu próprio estilo e através do qual eles apresentam sua crença pessoal , a arte abstrata tem quase cem anos, ainda continua a produzir uma nova forma e estilo, e tem uma posição de liderança na arte. Também afetou e se desenvolveu em outras áreas, como ciência e tecnologia. Prova que a arte abstrata pode ter uma grande capacidade de absorção de significados, portanto, pode-se supor que ela surgirá de uma nova forma no futuro.

A arte abstrata precisa ter liberdade do mundo material externo, a abstração é sobre a mente e sobre o espírito, não quero dizer que o artista abstrato deva eliminar completamente as pinturas representativas, o que os primeiros artistas abstratos como Kandinsky e Mondrian fizeram, mas Pollock e De kooning não, o que estou tentando dizer é que os artistas precisam se concentrar em aumentar as emoções, e a liberdade deve ser um elemento primário para a abstração. No entanto, essas liberdades parecem ter condições, depende se os artistas são populares, se os artistas não são populares, eles podem não conseguir viver nessa situação.

A arte abstrata não pode ser apenas sensual sem significado relevante, se a arte abstrata só quer chamar a atenção do público; perderá o público que exige cultura. A abstração não pode obter uma resposta instintiva como a música do espectador, e deve estabelecer uma conexão entre as obras e o público e ter a capacidade de lidar com um espectador que não deseja fazer o esforço.

Os artistas da nova geração têm que correr riscos para criar um novo estilo de abstração, não há nenhum tipo de linguagem universal da arte que possa ser utilizada por muito tempo. Nesta época, estamos vivendo em uma sociedade variada, e a abstração pertence à arte de alto nível, qualquer arte de alto nível é facilmente superada pela cultura avançada e popular se permanecer a mesma. A abstração bem-sucedida pode ser alcançada por artistas que confrontam e criam seu próprio tempo, e isso manterá a arte abstrata viva e contínua."

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